“Quise correr el riesgo de hacer un gran ballet contemporáneo y romántico” Angelin Preljocaj.

Ambientada en los mágicos escenarios de Thierry Leproust, la Blanca Nieves de Preljocaj resulta deliciosa, sobre todo con su siniestro bosque, su provocadora madrastra y unos enanos que de inocentes no tienen nada.

Reinventada por el coreógrafo albanés-francés Angelin Preljocaj y con un vestuario sedicioso y exquisito como sólo el famoso diseñador de modas Jean Paul Gaultier podría haber creado para esta puesta en escena.

Todos los elementos y personas que intervinieron en esta extraordinaria puesta en escena la convierten en un ballet contemporáneo sumamente atractivo para el espectador, en donde el romanticismo de este cuento de hadas resulta abrumador. Entre palacios, espejos mágicos y paredes donde trepan los enanos, Preljocaj presenta una construcción coreográfica impecable.

A pesar de que la danza contemporánea a menudo tiende hacia lo abstracto, la Blanca Nieves de Angelin Preljocaj utiliza elementos visuales impactantes y atractivos. Además Preljocaj  se interna audazmente en la historia y de esa manera, la reproduce con toda su riqueza simbólica: la omnipresencia del deseo, el paso transformador del tiempo y los celos asesinos.

La inventiva del movimiento corpóreo es espléndidamente reproducido por la compañía de Preljocaj, el escenario está repleto de iconografías extraordinarias; los soberbios escenarios de Thierry Leproust también contienen simbolismos; sin mencionar el uso de las sinfonías de Mahler, las cuales nos envuelven en esta atmósfera obscura y a la vez inocente y romántica.

Blanca Nieves es una joya deslumbrante, un espectáculo encantado que celebra la reconciliación de la creación contemporánea con la narrativa, la estética y ante todo, el significado.

El Ballet Preljocaj, fundado en 1985 por el bailarín y coreógrafo Angelin Preljocaj, nos presenta una reinterpretación dancística del clásico cuento de los hermanos Grimm, Blanca Nieves, un ballet romántico y contemporáneo que reúne a 26 bailarines en escena bajo la música de Gustav Mahler, con vestuario de Jean Paul Gaultier y escenografía de Thierry Leproust.

Se presenta en el Teatro de la  Ciudad en el marco del FMX Festival de la Ciudad de México

Jueves 3 de mayo y viernes 4 de mayo

www.festival.org.mx

Edith Wharton (Nueva York 1862- Francia  1937)

Durante la década de 1890 escribió relatos para Scribner’s Magazine y, en 1902, publicó El valle de la decisión, aunque su reputación literaria se consolidó con La casa de la alegría (1905).

En 1905 trasladó su residencia  a Francia, donde escribió Ethan Frome (1911). Posteriormente, Wharton produjo un gran número de novelas, libros de viajes, relatos y poemas. Su obra más conocida es La edad de la inocencia de 1920, que ganó el premio Pulitzer en 1921

Wharton, discípula de Henry James y una de las más importantes narradoras de la literatura norte-americana,. Fue amiga y confidente de muchos intelectuales de su tiempo como Francis Scott Fitzgerald, Jean Cocteau y Ernest Hemingway.

Wharton, en 1923, fue la primera mujer nombrada Doctor honoris causa por la Universidad de Yale y seguramente fue la novelista norteamericana más importante de su generación.

De sus publicaciones en la revista Scribner’s a mediados de los años veinte se recopila una serie de ensayos dedicados a la técnica, la práctica y el oficio de la creación literaria. Escribir ficción es una brillante aproximación a las claves de la ficción moderna, en el que, con sencillez y rigor, desgrana técnicas y recursos para desarrollar el estilo y la estructura narrativa, contar un cuento o desarrollar los personajes, entre otros aspectos y mecanismos.

Escribir ficción es un notable “manual de escritura creativa” con visos de convertirse en referencia indispensable en la bibliografía del género, pero no solo: con un capítulo dedicado a Marcel Proust y un broche a este volumen acerca de la lectura, es posible, al mismo tiempo, compartir las experiencias propias de un creador inimitable.

Para el joven cosmopolita y nocturno, TechnoMarine introduce el nuevo Night Vision.

El diseño monocromático del negro sobre negro logra que el reloj se mantenga discreto durante el día, pero al acercarse la noche, éste se enciende, el reloj

cobra vida con vibrantes y precisos detalles de color.

En el resto del reloj, discretos toques de color—alrededor del bisel y sutilmente en el borde de la correa—detalles estrictamente visibles a los conocedores.

Así como el hombre que lo porta, el NIGHT VISION es sutil y a la vez preciso e imponente. Es discreto pero siempre distinguiéndose del resto.

Durante la aventura nocturna, deja que el NIGHT VISION te transporte al sitio correcto, siempre a tiempo pero sobre todo siempre con estilo.

“Un cuadro me intriga, regreso a él y quiero arrancarle el secreto de su poder […] Los artistas me enseñan a ver, a leer, a componer, y por ello  a escribir, a disponer los signos sobre una página […]” Michel Butor.

El Centro de Documentación Arkheia del Museo Universitario Arte Contemporáneo presenta la exposición Ver entre líneas / leer entre signos, que explora la producción de libros de artista realizados por el reconocido escritor y filósofo francés Michel Butor en colaboración con artistas de otras disciplinas.

Como parte de las actividades en torno a la exhibición, el MUAC invita a una conversación pública entre el propio Butor y tres distinguidos escritores, conocedores de su obra, que crearán un diálogo de acercamiento a la prolífica y multifacética obra de este gran autor.

Michel Butor (Mons-en-Barœul, Francia, 1926). Graduado en filosofía por la Sorbona con una tesis dirigida por Gaston Bachelard, ejerció por un tiempo de asistente del filósofo Jean Wahl. A partir de 1950 inició su carrera como profesor de francés en Egipto, luego en la Universidad de Mánchester y pasó algún tiempo tanto en Salónica (Grecia)  como en Ginebra, donde conoció a su esposa Marie-Jo Butor. Posteriormente, emigró a los Estados Unidos, donde fue profesor en la Universidad de Albuquerque, Nuevo México. Su última etapa como docente fue en la Universidad de Niza y en la Facultad de Letras de la Universidad de Ginebra.

El reconocimiento de Michel Butor se debe fundamentalmente a su más famosa novela, La modificación, uno de los pilares de lo que se conoció como la nueva novela (nouveau roman), llevada al cine en 1970 por Michel Worms. La última novela de Butor fue Grados (1960); después de ella, escogió nuevas formas experimentales, como en Móvil (1962), donde representa la sorprendente realidad contemporánea de los Estados Unidos.

Esa vocación de experimentar para representar el mundo se puede encontrar en todas sus obras, ya se trate de relatos de viaje (la serie El genio del lugar), relatos oníricos (Materia de sueños), o de sus colaboraciones con pintores y otros artistas contemporáneos (que recoge en la serie de Ilustraciones). Este trabajo con artistas, músicos y fotógrafos ha constituido una nueva dimensión en sus intervenciones literarias.

En 1991 se retiró al poblado de Lucinges, en los Alpes franceses. Actualmente es uno de los escritores francófonos de mayor trascendencia tanto en Europa, como en los Estados Unidos, Japón, China y Australia.

Frédéric-Yves Jeannet (Grenoble, Francia, 1959). Estudió la licenciatura y maestría en Literatura Comparada en la Universidad de Grenoble. En 1975 viajó a Inglaterra y después de dos años emigró a México.  Actualmente se desempeña como profesor de literatura francesa. Ha publicado libros en francés y en castellano, entre los cuales  destacan Pensar la muerte y La luz del mundo, ambos publicados en 1996, Cyclone (1997), Charité (2000) y Recouvrance (2007).  Ha sido colaborador en varios medios periodísticos mexicanos como La Jornada, El Financiero, La Afición y La Revista de la Universidad, entre otros. También ha publicado libros de entrevistas con los escritores Michel Butor (1990), Annie Ernaux (2003), y Helene Cixous (2005).

Philippe Ollé-Laprune (París, Francia, 1962). Después de completar sus estudios en Economía,  se dedicó a proyectos culturales y editoriales. Fue agregado Cultural de Francia en Honduras y fundador-director de la agencia de desarrollo cultural Ad’Hoc de 1988 a 1994, en donde organizó más de 50 eventos culturales, entre los que destacan Le Marché de la Po

Los sahumadores de cerámica (llamados en náhuatl tlemaitl, que significa “mano de fuego”), han sido recuperados a lo largo de más de un siglo de investigación en torno a la antigua Tenochtitlan y ahora se exhiben en el Museo del Templo Mayor. Un conjunto de 36 de estas piezas, que datan de la época del gobierno de Moctezuma I, piezas prehispánicas descubierta en 1900 en lo que hoy es la calle de Guatemala, por el arqueólogo Leopoldo Batres (1852-1926); cinco hallados en los años 80 en la Zona Arqueológica de Tlatelolco, por el arqueólogo Salvador Guilliem, y 31 encontrados en 2009 en el predio de Mayorazgo de Nava Chávez, en la Ofrenda 130, asociada al monolito de la diosa Tlaltecuhtl son las que conforman la muestra. En la exposición también se exhiben los instrumentos sacerdotales, como púas de maguey y punzones de hueso que eran utilizados para el autosacrificio, así como pequeños guajes que servían para contener tabaco en polvo que era usado como estupefaciente.

Los sahumadores eran utilizados por toda la sociedad mexica (niños, adultos, mujeres, hombres, nobles y plebeyos) para purificar, con las emanaciones aromáticas del copal, lugares sagrados como templos, adoratorios y arroyos, así como imágenes de los dioses y a personas que asistían a las ceremonias religiosas. “Se empleaban también para el pronóstico del futuro y para consagrar hogares, instrumentos de trabajo y enseres domésticos de la gente común”, indicó el especialista, quien dirige el Proyecto Templo Mayor del INAH, a través del cual se realiza la exploración desde hace 34 años de los vestigios de la antigua ciudad de Tenochtitlan. Estos objetos se componen por tres partes: una cazoleta cóncava que servía para contener carbones incandescentes; un mango tubular alargado que en su interior tiene varias esferas de cerámica, que producen un sonido similar al crótalo de una serpiente; y un remate que suele tener forma de cabeza de dicho reptil o garras de águila.

La exposición Humo aromático para los dioses: una ofrenda de sahumadores al pie del Templo Mayor de Tenochtitlan también muestra el trabajo interdisciplinario de un equipo de arqueólogos, restauradores, geólogos, químicos y biólogos, que se dio a la tarea de reconstruir el proceso de manufactura, diseños, usos y simbolismo de este tipo de objetos y del copal durante la época prehispánica, así como sus reminiscencias en diferentes grupos indígenas del México actual. Además se exhibe un modelo a escala natural de un sacerdote mexica, que viste con el típico chaleco ritual o xicolli (en náhuatl),  braguero o máxtlatl, y sandalias o cactli; portará un sahumador y llevará consigo guajes para tabaco, navajillas de obsidiana y una bolsa con copal; el personaje tiene el cuerpo teñido de negro, y sobre las sienes un tono rojo (simulando sangre), según la vieja usanza.

La puesta museográfica permite a los visitantes tener una experiencia sensorial completa, porque conjunta aroma, sonido, tacto y la referencia visual,  conformada por las piezas arqueológicas y 50 imágenes, entre fotografías del hallazgo y de los procesos de restauración, así como ilustraciones de los Códices Borbónico y Mendoza, donde se observan dioses y sacerdotes usando sahumadores.

Museo del Templo Mayor

Seminario. No. 8

Centro Histórico de la Ciudad de México

Horario: de 9:00 a 17:00 de martes a domingo

Costo: 57 pesos. Entrada gratuita para personas mayores de 60 años de edad y menores de 13, pensionados, jubilados, maestros y estudiantes con credencial vigente. Domingo: entrada libre a público nacional y extranjeros residentes.

Construir del pretexto al ruido

Ciclo de Jazz

Curaduría Rubén Romero

El ciclo Construir del pretexto al ruido propone exhibir, en cuatro conciertos, una manera amplia de entender las condiciones de exploración e innovación que músicos mexicanos han adoptado en sus procesos creativos al desarrollar sus propuestas a partir de recursos como la tecnología, el autoconocimiento y la interdisciplina.

Primer concierto

Alonzo Arjona y la Beatless orquesta

Cristóbal Martínez Trío

15 de marzo, 18:00 hrs.         

Auditorio

Costo: $100.00 | descuentos en taquilla

 Abono: $200.00 (válido para cinco conciertos)

Alonzo Arjona y la Beatless orquesta

Alonzo Arjona – Piano, percusiones eléctricos y acústicos.

Jesús Trani – Guitarra eléctrica y acústica.

Benjamín Palacios – Bajo eléctrico y acústico.

Octavio Pérez – Cello.

Erick Martínez – Trompeta, flauta y clarinete.

Alfonso Desiderio – Piano eléctrico y acústico.

Colectivo nacido a raíz de la realización y difusión de lo que será su primera obra discográfica, “Primer Motor del Objeto Causa del Deseo”, en el cual se desarrollaron 10 piezas que oscilan entre la música electroacústica, el R.I.O., así como el neotonalismo, el Neo Folk y lo que su fundador y compositor, Alonzo Arjona, ha denominado “Etnodeconstrucción musical”.

Cristóbal Martínez Trío

Jaques Landry – Guitarra y ritmos.

Odín Ramírez – Teclados y voz.

Cristóbal Martínez – Bajo.

Cristóbal Martínez, bajista, contrabajista, compositor y arreglista. Ha colaborado en diferentes proyectos de jazz, funk, rock, clásica y hip hop. Recientemente editó su primer álbum como solista en el que retoma la idea fundamental del jazz rock. Ritmos de funk y grooves sólidos de bajo, soportan líneas melódicas que conducen la música a través del lenguaje del jazz y el rock. “Oaxaca Vice” es el nombre del proyecto y representa la influencia que diferentes culturas tienen entre sí.

Este estilo de música busca conectar la sofisticación armónica y melódica del jazz con ritmos de funk y rock. Músicos especializados en diferentes estilos de música convergen en este proyecto para plasmar los  temas originales del bajista.

Museo Universitario Arte Contemporáneo

www.muac.unam.mx

5622 6972

Centro Cultural Universitario

FRIDA KAHLO. AUTORRETRATO CON CHANGUITO

Exposición que alberga el Museo Nacional de San Carlos, en la cual destaca la participación de 12 artistas de tres generaciones diferentes, egresados de la Escuela Nacional de Artes Plásticas ENAP.

La muestra contó con la curaduría de de Sylvia Navarrete, reúne obras de Carlos Arias, Mónica Dower, Demián Flores, Ulises García Ponce de León, Alejandro Magallanes, Helio Montiel, Claudia Pérez Pavón, Rubén Rosas, Patricia Soriano, Trini, Rafael Uriegas y Álvaro Verduzco.

La obra de estos 12 pintores dialoga con obras de Pelegrín Clavé, Pierre Ribera, Bernardo Strozzi y Vicenzo Loria, entre otros.

Sylvia Navarrete toma como referente el compendio de consejos prácticos y consideraciones éticas y morales de Pelegrín Clavé, Lecciones estéticas, para abordar la interrogante que se planteó quien fuera director de pintura en la Academia de San Carlos (1846- 1867): “¿Qué sistema es bueno tener cuando se dibuja?”.

La investigadora parte de la respuesta del propio Clavé: “el que se deja transportar de la ilusión de la cosa no practica nunca con buen sentido, es menester, al momento, buscar lo real”, y toma como base el acervo del artista conservado en el Museo Nacional de San Carlos, para convocar a los pintores antes mencionados, a interpretar de manera libre la(s) obra(s) de su elección dentro de ésta colección.

Sylvia Navarrete escribe: “Ahora bien, ¿qué significado cobra hoy la exhortación a “buscar lo real”? El objetivo de los artistas no es ya el conocimiento de la naturaleza física y lógica, sino un enfrentamiento de alcances ontológicos y existenciales al mundo y sus contextos. Por lo tanto, en el dibujo contemporáneo la observación llega a ceder el paso a la reflexión y a las formulaciones conceptuales, en detrimento de la representación del objeto bajo una apariencia mimética o verosímil. Entre los autores reunidos en esta exposición, la obra rara vez transcribe o traduce un tema determinado, sino que tiende a crear un argumento, establecer asociaciones, conjurar o subvertir un sistema simbólico”.

El dibujo transita en la encrucijada de la tradición y la cultura popular globalizada, y motiva hechos artísticos expandidos. Es un paradigma, no por añejo menos vigente, de la aptitud humana a crear ficciones y situaciones en que refractarse, identificarse y buscar su propio real. Para Sylvia, el lenguaje codificado de la Academia decimonónica sigue siendo, para muchos artistas, un andamiaje en que figuras, manchas, estructuras y colores determinan la imagen, aunque ésta conserve el sesgo confidencial del boceto.

Del 9 de febrero hasta el 10 de abril 2012.

Museo Nacional de San Carlos

Puente de Alvarado 50, colonia Tabacalera.

1-    ¿Cómo te diste cuenta de la afinidad que tienes en la cocina?

SO: Es algo que sientes al entregar  el platillo a la persona, me inspiro, me encanta entregarme para dar lo mejor de mi, esa es mi meta, entregarme, descubrir sabores, hacer fusiones, es algo en donde encuentro un misterio, busco para dar y brindar lo mejor a la persona a la que le sirvo.

2-    ¿Quién te enseñó a cocinar?

SO: Desde pequeño y hasta el día de hoy, mi madre y mi abuela fueron mis mejores maestras, ¡aunque me corrían la mayoría de las veces de la cocina porque era muy pequeño y podía ser peligroso! Pero me acuerdo que me sentía intrigado por la forma en la que cocinaban, desde como se hacían un tamal, como llevaban todo el proceso. Ellas inspiraron en mi el deseo por la comida mexicana, tengo bellas memorias de ellas.

3-    ¿Porqué decidiste ir a E.U.A?

SO: Yo soy de la Ciudad de México, me fui cuando era muy chico a vivir al norte de Nevada, llevo 24 años ahí, fue un shock de cultura de 360º, de la noche a la mañana. EL cambio se dio porque mi papa decidió migrar en los 70´s, se le presentaron trabajos allá, durante 2 – 3 años el iba y venía, entonces hubo un punto en el que quiso tenernos a todos juntos y después de tener todos los trámites legales fue cuando migramos en 1988.

4-    ¿Cuáles fueron los retos que encontraste al llegar a E.U.A?

SO: El idioma, la mentalidad un poco de racismo (no voy a mentir) y  mayormente el añoro por México, los aromas, los pájaros, todo lo que era para mi el país. Una anécdota que recuerdo muy bien, fue cuando ya nos fuimos de México, me desperté al siguiente día a hacer mis quehaceres, yo barría el patio, y cuando desperté en Reno me lave los dientes, me vestí y fui por mi escoba, pero naturalmente ya no estaba, en ese momento pensé, ya no estoy en mi casa estoy en Reno. Claro que con el pasar del tiempo me fui adaptando, pero resumiéndolo esos serían los obstáculos que viví en aquellos momentos.

5-    ¿Cómo ves tu como chef, la evolución de la comida mexicana en el mundo?

Bueno yo he sido muy afortunado, desde el comienzo de mi carrera me encontré con muchas personas las cuales fueron como vagoncitos de conexión que me jalaron, uno de ellos, quien es y fue un gran amigo y mentor: Richard Sandoval, quien me enseñó su visión de la comida moderna mexicana.

Pienso que la comida mexicana se basa por medio de puentes y fusiones que la gente acepta, en donde se encuentran con sabores familiares hasta cierto punto en donde exploran una cocina más profunda.

6-    ¿Cómo haz adaptado los ingredientes de la cocina mexicana al paladar americano?

Puentes, fusiones y perfiles de sabores, gente que se sienta cómoda aventurando, naturalmente no les damos un chile de molcajete muy picoso, tratamos de balancearlo un poco de dulce y salado, le agregamos un poco de tomate dulce, miel o néctar de agave. Cositas que hacemos para que las notas sean más ligeras en el paladar. Nosotros nos separamos de lo tex – mex, esto es cocina mexicana moderna, en donde creamos puentes. Utilizamos comida fresca, mexicana y con buena presentación.

- Ingrediente favorito: Me gustan mucho las hierbas, ¡si hubiera una loción de epazote me la pondría! Ese floral fresco, terrestre. Me encanta olerlas, mezclarlas, hacerlas aceite. A donde quiera que vaya pido epazote, a los frijoles siempre les pongo este ingrediente.

- Chef que más te ha inspirado: Mi buen amigo Richard Sandoval, Arón Sánchez, Julia Child.

- Restaurante: Lotus of Siam me encanta, claro que tengo muchos otros pero ese es el que me viene a la mente ahora.

DOS ESCULTURAS DE JAVIER MARÍN VISITAN EL

MUSEO NACIONAL DE SAN CARLOS

Febrero-Abril 2012

Dos esculturas de Javier Marín están de visita en el Museo Nacional de San Carlos y con estas piezas se da continuidad al propósito que ha generado este espacio museístico de invitar a artistas contemporáneos. Desde el emblemático patio oval del palacio construido por Manuel Tolsá, las obras establecen un diálogo entre lo clásico y lo contemporáneo y, de esta forma, invitan al espectador a recorrer el quehacer artístico del pasado y del presente y corroboran lo que afirmó Gianni Vattimo: es en el arte donde la verdad se muestra de forma más pura y reveladora.

Las obras de gran formato tituladas Cabeza de Mujer Roja y Cabeza Blanca, realizadas en resina poliéster, fueron creadas respectivamente en 2008 y 1997, por Javier Marín, artista que ha desarrollado una sólida carrera como artista visual en sus casi 30 años de trayectoria.

En sus comienzos, para la obra escultórica Marín empleó exclusivamente barro, después trabajó sus creaciones en bronce y en los últimos años ha ido más allá de los métodos tradicionales en la escultura, al emplear resina de poliéster mezclada con materiales orgánicos, como tabaco, tierra, semillas de amaranto, pétalos de rosas o fibras de carne seca, sumando en una misma obra, lo industrial y artificial del plástico, en contraste con lo orgánico, natural y hasta sutil de los otros materiales.

La creciente presencia de piezas a gran escala en espacios públicos, parte contundentemente de una concepción contemporánea en torno a la intervención urbana. Su obra pública se abre al contexto físico y humano que la rodea, proponiendo lecturas alternas de éste y de sí misma. Lleva su exploración y experiencia a diversos lugares, fomentando una continua retroalimentación. En su trabajo creativo, se encuentra una exploración constante de interacciones humanas y  la búsqueda de una sensación de equilibrio, tanto en forma como en concepto.

El escultor (Uruapan, Michoacán, 1962) estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM (Academia de San Carlos). Ha realizado más de 70 exposiciones individuales y participado en más de 200 exposiciones colectivas, en México, Estados Unidos y Canadá, así como en varios países de Centroamérica, Sudamérica, Asia y Europa.

Obtuvo el Premio de la Tercera Bienal Internacional de Arte de Beijing, China. En 2010 se inauguró Retablo, el retablo central y presbiterio de la Catedral Basílica de Zacatecas (Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO), obra monumental que concluyó tras ganar el concurso para su realización en el 2008. Recientemente fueron presentadas exposiciones de su obra escultórica en Shanghái (World Expo 2010) y en Bruselas (Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica).

Su obra se encuentra en diversas colecciones públicas y privadas, incluyendo el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museum of Fine Arts de Boston, el Santa Barbara Museum of Art, la Blake-Purnell Collection, la Malba-Fundación Constantini en Buenos Aires, Argentina, entre otras.

Aurora Noreña, en su texto El cuerpo vulnerado, escribe que la propuesta visual de la escultura de Javier Marín rebasa de manera sobrada cualquier fórmula. Su labor articula una serie de variables que abarcan tanto la estética occidental como a otras estéticas.  Sus reflexiones plásticas parten de la estricta observancia de su entorno, integrado por elementos de orden también social.

Información Museo Nacional de San Carlos.